Wednesday, June 21, 2017

Caracas: La dama del sol, 24 y 25 de junio en Teatro FEC, Parque Central

La dama del sol: sobre héroes e identidad

Pablo García Gámez

La maestra Isadora Castellanos ensaya constantemente la obra de teatro La dama del sol para, según ella, exaltar los valores de la identidad nacional que definen su comportamiento en la esfera pública.  Los ensayos se realizan en los espacios de la escuela rural Dios y Federación y cuentan con la participación de Lorenzo Mujica, padre de un estudiante.

En el ensayo, con referencias en el ritual, se materializan las figuras de Simón y Manuela.  La intensidad de los textos los lleva a un estado de enajenación en el que comienzan a representarse a sí mismos. En el acto de interpretar afloran la soledad, el deseo reprimido, la frustración de pequeñas vidas en las que los días se repiten y donde se confunden recuerdo e invención.  Isadora y Lorenzo, crea una realidad, su realidad cargada de pasión y erotismo en la que sus vidas adquieren la relevancia que jamás tendrían como maestra y lonchero.  Isadora y Lorenzo son en los ensayos.

El texto de Rubén Darío Gil reflexiona acerca de las bases de la comunidad imaginada, tema recurrente en la dramaturgia venezolana.  Los diálogos hacen diferentes aproximaciones a la venezolanidad.  Se enuncian figuras, hechos y fechas de la historia y la cultura oficiales, tamizadas por académicos e intelectuales en la construcción de la identidad colectiva.  La visión de la construcción hegemónica desde la periferia es el dispositivo que hace de La dama del sol una pieza crítica, audaz y lúdica.

Al espectáculo se incorpora al héroe-padre romántico que desafía la naturaleza y lucha contra un imperio, el que se torna inalcanzable para los personajes. Allí parte el desencuentro: fracasar al intentar representar una imagen que solo se representa a sí misma y, paradójicamente tener relativo éxito al humanizar al héroe, darle características de hombre común.  Isadora se obsesiona con Manuela: aproximarse a esta figura es el mecanismo que desafía la represión de género en una sociedad patriarcal; a través del personaje ella alcanza lo que en realidad quisiera ser al punto de no decidirse a representar la obra en público. 

La producción es de Synaem, grupo independiente que refuerza el aspecto kitsch del texto.  Cortinas de satén amarillo, pollos mensajeros, flores de plástico crean un espacio cargado de cursilería a partir de la interpretación de la estética oficial desde la alteridad. El vestuario es un elemento que refuerza y expande dicha estética: visualmente impactantes son la chaqueta intervenida de Simón, la máscara y el traje de Manuela, trabajos realizados a mano, de corte artesanal.  

Los actores Annie Ferrer y Maenys Pérez Rojas realizan un performance donde los personajes que representan se alternan sin transiciones creando situaciones absurdas.  Annie Ferrer explora Isadora/Manuela demarcando los roles; logra momentos de intensidad, de locura y alcanza el objetivo de visibilizar el erotismo y su represión.  Maenys Pérez Rojas propone un Lorenzo Mujica entre cándido y pícaro, que busca asirse a algo que lo desplace de la rutina para evocar sus tiempos de poeta; como Simón lanza una serie de cuestionamientos sobre la relación entre los íconos fundacionales y la contemporaneidad.

La dirección de Pérez Rojas incorpora una dinámica planta de movimientos que explora el espacio escénico, que tensa las relaciones entre los personajes.  Por otra parte, el montaje adapta la memoria a una estética inmediatista, como se observa en la selección musical.  Pérez Rojas incorpora el caos como resultado del encuentro entre lo cotidiano y lo simbólico, y a la vez momentos en que los personajes se comunican desde su esencia, desde su humanidad como en la escena final. 

A pesar del caos, Isadora y Lorenzo hablan para mejorar la obra y sus vidas.  Tal vez si sus conversaciones dejaran de ser privadas, el público de la escuela rural Dios y Federación caería en cuenta que dialogar es productivo.

La dama del sol, de Rubén Darío Gil. Elenco: Annie Ferrer y Maenys Pérez Rojas.  Escenografía, vestuario y dirección: Maenys Pérez Rojas.  Producción: Synaem.  Sábado 24 y domingo 25 de junio, 3:00pm.  Teatro FEC, Torre Oeste, sótano 1, Parque Central.  Boletos: Bs. 1.000.

Tuesday, May 16, 2017

Caracas: Tierra Santa, de Elio Palencia, hasta el 4 de junio en el teatro Luis Peraza


 El Taller Experimental de Teatro (TET) vuelve a presentar uno de los textos más significativos del dramaturgo venezolano Elio Palencia: TIERRA SANTA. Un viaje de ida y vuelta a una controversial "Tierra de Gracia", un drama contemporáneo para vernos "en esencia" y una radiografía del país a través del reencuentro dramático y locuaz de dos hermanos. 

En el 2013 se alzó con 6 premios municipales de teatro César Rengifo y 2 premios AVENCRIT. Durante dos años hizo temporada en la Sala Horacio Peterson de UNEARTE y participó en circuitos, festivales nacionales e internacionales celebrados en Venezuela. Esta vez vuelve a una tercera temporada en el Teatro Luis Peraza del 13 de mayo al 4 de junio del 2017 en funciones de sábados y domingos a las 4.00 p.m. ¡Quedan 6 funciones!

TIERRA SANTA es la historia de dos hermanos que se reencuentran después de años de separación y en el patio de la casa materna vuelven a enfrentarse con el pasado y con la idea de reordenar sus vidas. Desde el aislamiento al que se arrincona "la paternidad" con el paso del tiempo, revisan sus vivencias y sus relaciones filiales llegando a confesiones inesperadas. La obra está plena de "anunciaciones" y "visitaciones" en las cuales la cotidianidad adquiere un carácter místico. La aparición sucesiva de una adolescente encinta rompe muchas veces con situaciones humorísticas cargando la escena de misterios e incertidumbres.

Detrás de la palabra, el sol quema la tierra donde estos dos hombres han sembrado de distinta manera sus actos y anuncia el tiempo de una cosecha llena de revelaciones. El país, con sus condiciones sociales y económicas, es mecido en dos hamacas desvencijadas a través del verbo tajante y perspicaz de un autor que logra que situaciones aparentemente familiares desnuden imágenes mordaces de la Venezuela actual. 

La obra cuenta con las actuaciones de  
Guillermo Díaz Yuma y Ludwig Pineda quienes en un aleteo de gallos viejos, uno Mayor y otro Segundo, se confrontan en un corral abandonado por esposas e hijos. La juventud, embarazo y desconcierto, personificada por  Larisa González
 en cuatro jóvenes diferentes, se pasea en medio de un paisaje desoladamente humano e imbuido en el "ruido estéril y estupefaciente de celulares y televisores". La imagen del país a veces se tiñe de desesperanza y otras de santidad. El reproche, la culpa y en especial el perdón y la indiferencia se reparten en magistrales diálogos de uno de nuestros más importantes dramaturgos: Elio Palencia (Donde caerme viva, Penitentes, La Quinta Dayana, Secuestro Rosa, Habitación para hombre solo, Detrás de la Avenida, entre otras)

El diseño de la escenografía es de Edwin Erminy mientras que el vestuario está firmado por Raquel Ríos. La iluminación ha sido creada por Víctor Villavicencio, el manejo de la planta lumínica está en manos de José Manuel Rueda, la asistencia de producción de Kleiver Rojas y la producción general está en manos de Karla Fermín y el equipo de producción del TET. El director Costa Palamides asume la puesta en escena en su primera colaboración como director con uno de los grupos emblemáticos del devenir teatral venezolano que arriba a sus 45 años.  El 10 de junio del 2017 Tierra Santa se presentará en el Teatro Luis Mariano Rivera de Cumaná.

TIERRA SANTA estrenó el pasado 13 de mayo y estará en cartelera hasta el 4 de junio en funciones de sábados y domingos a las 4 p.m. El Teatro Luis Peraza se encuentra al lado de la Iglesia de San Pedro en Los Chaguaramos y está localizado muy cerca de las estaciones de Metro Ciudad Universitaria y Los Símbolos.

La Entrada General es de Bs. 2 mil / Estudiantes y tercera edad a Bs. 1700. Se cuenta con punto de venta en la taquilla.  



NY: VII Festival de Teatro Hispano del Comisionado Dominicano de Cultura, del 18 de mayo al 15 de julio de 2017.

El VII Festival de Teatro Hispano del Comisionado Dominicano de Cultura en los Estados Unidos se celebrará del 18 de mayo al 15 de julio de 2017, informó Luis Felipe Rodríguez, director del festival.

El comisionado dominicano de Cultura, Lic. Carlos Sánchez, dijo que el VII Festival será dedicado al dramaturgo y director de teatro dominicano Marco Antonio Rodríguez.

“Marco Antonio Rodríguez es un reconocido teatrista, escritor de obras ganadoras de numerosos premios, como Pico de Gallo, Heaven Forbid, nombrada Mejor Obra por los críticos de teatro en Dallas/Fort Worth, y la Luz de un cigarrillo (Ashes Of Light), galardonada con cinco premios HOLA, cuatro ACE y tres prestigiosos premios Soberano, incluyendo sobresaliente realización en dramaturgia”, dijo Sánchez.

Sánchez reveló que la noche de la inauguración del festival, el jueves 18 de mayo, a las 7:30 p.m., se le rendirá un homenaje especial a Marco Antonio Rodríguez, “por sus grandes aportes al teatro dominicano e hispano y su destacada trayectoria como actor, director y dramaturgo”.

El festival es dirigido por Luis Felipe Rodríguez, destacado actor y director de teatro dominicano, y cuenta con la colaboración del Teatro de Planta del Comisionado y el equipo del Comisionado.

El Festival de Teatro Hispano del Comisionado es celebrado anualmente por el Comisionado Dominicano de Cultura en los Estados Unidos, entidad del Ministerio de Cultura de la República Dominicana, con el propósito de abrir un espacio de intercambio cultural entre teatristas hispanohablantes en los Estados Unidos y otros países, y difundir las producciones teatrales de estos grupos.

El festival entrega premios a la Mejor Producción: $4,000 dólares a la que ocupe el primer lugar, $3,000 al segundo lugar, y $2,000 al tercer lugar.

Además de placas de reconocimiento, el festival entrega premios en metálico en las categorías de Mejor Director: $2,000 dólares; Mejor Actriz, $1,000 dólares, y Mejor Actor, $1,000 dólares, y a la que resulte ganadora del Premio del Público se le entrega una estatuilla.

Todas las funciones se celebrarán en la sala de teatro Rafael Villalona del Comisionado, localizada en el 541 West de la calle 145, 2do. piso, casi esquina Broadway, en Manhattan.

El VII Festival de Teatro Hispano del Comisionado dará un incentivo especial para los grupos dominicanos, luego de que presenten su obra.

También, la mejor producción de Teatro Visitante recibirá una estatuilla oficial del festival.

En el VII Festival de Teatro Hispano del Comisionado participarán 31 obras de teatro, 16 compañías de teatro de Nueva York, y 14 obras de teatro de otros estados de los Estados Unidos: Nueva Jersey (4), Massachusetts (3), Washington D.C. (1), California (2) y La Florida (4). También hay una obra de una compañía de teatro de Colombia.

El Jurado del Festival se reservará el derecho de otorgar cualquier mención o reconocimiento en las categorías de director, actor, actriz, escenografía, efectos especiales, maquillaje, dramaturgia, vestuario, etc., o algún elemento teatral destacado que el jurado entienda que merezca ser reconocido.

Para leer la sinopsis de las obras participantes, visitar el portal del Comisionado 
www.codocul.com. Para más información, llamar al (212) 234-8149.

Síganos en Twitter: @codocul1 / Facebook: 
www.facebook.com/comisionado.cultura/, / Instagram: www.instagram.com/codocul/



Saturday, May 6, 2017

CRONICA DE UN FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO MEMORABLE

Por Costa Palamides

La siguiente, es una crónica escrita por Costa Palamides
sobre el Festival de Teatro de Caracas 2017, 
realizado en el mes de abril.

La “nuestramericanización” del Festival de Teatro de Caracas en su pasada edición en abril del 2017, ha sido memorable no sólo por la calidad de los invitados latinoamericanos expuestos sino por la pulsante memoria que los cobija y embriaga. Desde la apertura hasta la clausura, el país “invitado de honor” mostró espectáculos lacerantes sobre su pasado, sobre los despojos y luchas de 50 años de enfrentamientos convocados por la intolerancia y por la capacidad camaleónica y despótica de la oligarquía clasista colombiana por no perder sus privilegios. El impacto producido por la pieza “Labio de Liebre” de Fabio Rubiano, el Teatro Petra en conjunción con el Teatro Colón de Bogotá, es equivalente en mi persona al producido por “La clase muerta” de Tadeusz Kantor y el grupo Cricot 2 hace más de 30 años en un Festival Internacional de Caracas. Afónicos, extáticos y lacerados nos quedamos ante la capacidad de un grupo colombiano de enfrentar el sangriento conflicto de su país de una manera tan “bestial”, y utilizando un humor negro dionisíaco y por ende, trágico. La fábula de animales y seres humanos que se le “aparece” a un genocida de turno, refugiado en un país frío y truculento, en una “Suiza/Chalet” neutral y xenófoba (se puede aplicar a los estados centrales de Estados Unidos) representa con exactitud quirúrgica el tan hablado y nunca conseguido “teatro de la crueldad artaudiano” que aplicado a nuestra piel y sangre busca la emoción más primordial e intensa. En un “crescendo” que hiere a punta de navajazos, en una amalgama de risas y lágrimas, la obra teatral, metáfora del labio leporino que nos excluye y que nos calla, abrió nuestro necesario Festival para que no lo olvidemos nunca más. Sólo con esta pieza, la pertinencia de este Festival con sus imágenes de lo que puede desembocar nuestro país si nos dejamos atrapar por los sátrapas de la derecha, los “del fanatismo empresarial” o los señoritos “mosquitos muertos que tiran la piedra y esconden la mano” y sus patiquines de turno, insisto, sólo por este espectáculo, la pertinencia de este Festival es contundente e histórica. 

Comienzo crucial y crucificador dentro de nuestra iglesia particular: el Teatro. A partir de allí, se extendió la magnífica racha de la participación de nuestra hermana república, quiméricamente bolivariana, y la mágica liebre se mudó al lugar “Donde se descomponen las colas de los burros” con el Umbral Teatro. A diferencia de su cruda antecesora, el conflicto de nuestro pariente y cercano país, se presenta con poesía “naif” y austeridad escénica con toques sublimes de “video maping” y con un apego a una especie de liturgia eclesiástica o a una misa fúnebre liderizada por una madre y un padre en busca del hijo muerto, que sin herir, trata de encontrar luz en una blancura apolínea no extenta de lirismo. Sin duda, nos encontramos con dos creaciones teatrales distintas que radiografían la historia reciente y temible de Colombia. Más adelante, dos trabajos más eficientes en su exposición y con rasgos de una potente creación colectiva y más abiertos e inclusive nostálgicos de la forma como el teatro colombiano ha narrado su historia, fueron las obras de dos grupos emblemáticos de Bogotá y Medellin, “La Candelaria” y “Matacandelas”, que con sus directores en el preámbulo, honraron una presencia de décadas en el quehacer escénico de las dos ciudades más heridas por el acontecer político, social y económico de nuestro más cercano vecino geográfico y emocional. La vibrante bioépica de “Camilo” y la cantata resurgida de “La casa grande”, novela explosiva de Alvaro Cepeda Samudio, hicieron que estos grupos brillaran una vez más con lo que mejor saben hacer en la escena latinoamericana: la contundencia del sentir colectivo, la presencia de un “conciente nacional” y el empoderamiento de una memoria que no podrán borrar ni paramilitares, ni narcotraficantes ni los dictámenes militares de las potencias extranjeras. El enfrentamiento del heroico cura guerrillero Camilo Torres y la masacre de los campesinos huelguistas ante la opresión oligárquica y militarista, a los terratenientes latifundistas y las “moscas bananeras” de la United Fruit Company respectivamente (como Neruda denunciara poéticamente en su “Canto General”), se vuelven “faros de memorabilia” que difícilmente podremos olvidar y que nos regresan a las excelsas participaciones de estos dos “alzados” grupos en nuestra previa historia de Festivales Internacionales que algunos “patricios” de nuestro teatro quisieron exiliar a… Miami o lo que es peor, lo mudaron a nuestro Miami particular… el este pudiente de Caracas… Un florido “Cayo Hueso”… duro de roer. 

Pero volvamos a lo nuestro: la participación de grupos más al Sur no extenta de globalización certera que consideraron suyas dos piezas europeas. La croata “Mi hijo sólo camina un poco más lento” y la rusa “Todo por culpa de ella”, escenificadas por sendas instituciones teatrales de Argentina y Uruguay deslumbraron transmitiendo el peligro de la exclusión y de la mala comprensión de la “red social” a través de sendas tragedias contemporáneas que demuestran la amplitud focal del actual teatro rioplatense. A ellos, se une el Teatro Amplio de Chile con una elocuente bilogía compuesta por las piezas “Casco Azul” y “El Sr. Galindez”, profundas percepciones de nuestra dramaturgia latinoamericana sobre la injerencia extranjera y la tortura fascista, (casi lo mismo) respectivamente y firmadas por un joven director que se mueve a sus anchas en las periferias de nuestro Norte que es el Sur: Antonio Altamirano. La huella de la pérdida de identidad, los lazos familiares perdidos por los miles de desapecidos y sus familias, pasando además por la posibilidad de que dos hermanas separadas por el robo de bebés de la dictadura argentina y que pueda en un momento dado establecer una relación lésbica o en todo caso conocer muchísimo tiempo después a sus parientes más cercanos, es el tema fundacional de la corrosiva pieza “La sangre de los árboles” que arrancó aplausos vibrantes por dos actuaciones femeninas de primer nivel y por una impecable puesta en escena firmada por la productora Reverso que enlazó a Argentina, Chile y Uruguay. Un poco más acá, la heterogénea adaptación fabulada del Woyzeck hecha por el memorioso Arístides Vargas, nada más y nada menos que con el grupo Malayerba de Ecuador, y que vista en un no apto teatro para la intimidad cuentística de la obra como el Teatro Catia, supo vencer los escollos de una mala acústica y hacernos escuchar la alienación y violencia que producen “rumores y falsos positivos” en nuestra realidad: “Francisco de Cariamanga”. Para finalizar este formidable recorrido, que se perdió de algunos importantes espectáculos para poder participar en actitud democrática del mismo Festival en dos ocasiones, una como director con “Donde caerme viva” de Elio Palencia y en otra como actor de reparto con “Miss hijas” de Matilda Corral, resonancias de nuestro más candente “día a día”, habrá que resaltar el virtuosismo musical e histriónico del grupo español “Yllana y Primital Brothers” que con su “monstruosidad vocal” supieron acallar los contrarios y contrariados augurios a este Festival y que junto a “Me llamo Suleimán” del grupo canario “Una hora menos” mostraron entender las primitivas contrariedades del poder (y en especial de la monarquía, el absolutismo y el fanatismo religioso) y en consecuencia la implacable xenofobia que se aplica por igual en los Estados Unidos y en sus congéneres genéticos de la Europa blanca y reaccionaria, léase brexitómanos, neonazis y lepenistas. Y un rumor que sí vale la pena escuchar: el grupo colombiano que se presentó en la Casona Anauco Arriba, laceró profundamente a los espectadores con su “fiesta de quince años de la hija de un Capo y un entorno familiar en “traje de etiqueta” y una pieza más: “La Maldita Vanidad Teatro”. Sin duda el secreto mejor “susurrado” del Festival. Y con esto, vayamos del susurro preciso al silencio coherente, sin aspavientos y manoteos, como hubiese querido Shakespeare y desde ya ansiemos más referencias, más participación y una nueva edición de un Festival que siempre hemos merecido y MERECEMOS. 

COSTA PALAMIDES   

Friday, May 5, 2017

EL BOLERO WAS MY DOWNFALL – A Classic Reimagined June 1-30

Pregones/Puerto Rican Traveling Theater proudly announces a new version of one of its most popular and enduring plays: EL BOLERO FUE MI RUINA. Based on the story “Loca la de la locura,” by Puerto Rican author Manuel Ramos Otero, it is the unfor-gettable story of a nightclub entertainer and self-fashioned femme fatale, and of the terrible turn that landed her in prison. The new production —running in strictly limited engagement June 1st through June 30th— features a new English translation, an expanded cast, new and unplugged torch songs, boleros, and guarachas, and new audiovisual elements. Text in English. Songs in Spanish. Dual-language supertitles. Don’t miss it! Performances at Pregones Theater, 575 Walton Avenue, in The Bronx. Tickets at pregonesprtt.org or by phone at 718-585-1202.

EL BOLERO WAS MY DOWNFALL is a tribute to a great queer Puerto Rican writer, drenched in sequin, song, and the irreverence of survival. It provides a platform for all audiences to revisit or discover the world of Manuel Ramos Otero, and to experience the rich cultural expanse of jukebox (vellonera) and bolero! Since its Spanish language premiere in 1997, EL BOLERO has had more than 100 performances in 5 different countries and triggered dozens of critical dialogues around the subjects of colonialism, migration, queer identities, and becoming political.

DATES:                       JUNE 1-30, 2017

LOCATION:                Pregones Theater, 575 Walton Avenue, The Bronx

TICKETS:                   Starting at $15 — Limited Inventory, Buy Early
                                    Online at WWW.PREGONESPRTT.ORG
                                    By phone at 718-585-1202


DISCOUNTS:             Call for Senior Tickets, Group Sales (10 or more), or Zip Tickets (10451, 10452, 10454, 10455, 10474, 10019, 10029, 10031, 10032, 10033, 10034, 10035, 10036, 10040 with I.D.). Restrictions Apply.

Tuesday, May 2, 2017

Otra historia en FUERZAFest, 18 y 20 de mayo

Group of The Arts se enorgullece en presentar el estreno mundial de Otra historia, una obra de Pedro Monge Rafuls bajo la dirección de J. Edgar Mozoub. La obra participará en la segunda edición del festival de teatro en español FuerzaFest NY.  Dicho festival se llevará acabo del 11 al 21 de mayo en el Julia de Burgos Performance and Arts Center localizado en el 1680 de Lexington Avenue, Manhattan, en el barrio hispano de Nueva York. 

Otra historia explora cómo las influencias religiosas y sociales, al igual que la confusión de identidad afectan las relaciones personales. Amistades se pondrán a prueba y un triángulo amoroso turbulento cambiará la vida de los personajes para siempre. Las vidas de Marina (Mayté Hernández), Teresa (Damiana Reyes), Marquito (Mario Saldaña) y del Padrino (Luis Alberto Garcia) giran alrededor de José Luis (César Cova). ¿Triunfará el amor o será que las influencias externas mancharan el destino de ellos para siempre? 

El elenco está compuesto por un grupo de individuos talentosos de diversas nacionalidades. El elenco se compone de los actores: César Cova (Venezuela), Mayté Hernández (Puerto Rico), Mario Saldaña (Perú), Luis Alberto García (Venezuela), Damiana Reyes (República Dominicana) y Víctor Alfonso Echavarria (Colombia). También complementando el elenco se encuentra el director J. Edgar Mozoub (El Salvador) y el autor de la pieza, Pedro Monge Rafuls (Cuba). 

Otra historia sube a escena el jueves 18 de mayo y el sábado 20, ambas funciones son a las 7:00pm. El precio de admisión es $20, el cual incluye el derecho a ver la otra obra que comparte cartelera el mismo día. 

La vieja herida en FUERZAFest 2017


La vieja herida, obra de un acto de Pablo García Gámez, dirigida por A. B. Lugo y producida por Teátrica, se presenta el 11 y el 13 de mayo en FUERZAFest 2017, en el Julia de Burgos Performance Center and Arts.

Después de casi treinta años se rencuentran Jorge y Camejo.  Verse después de treinta años en Caracas es reconocer al otro, reconocerse a sí mismo en un espacio querido y agresivo que castiga con diferentes exilios a los que están al margen; ellos han pasado sus vidas derribando muros físicos y mentales.  En La vieja herida los personajes añoran lo que no vivieron y cargan con el peso de saber que el tiempo no ofrece segundas oportunidades.  

Pablo García Gámez, cuyo trabajo como dramaturgo ha recibido diversos reconocimientos, presenta un texto que hurga en los recuerdos, la imaginación, la realidad.  En él, aborda la homofobia y el racismo.

El conocido hombre de teatro A.B. Lugo, merecedor de dos premios HOLA, como director propone llenar el espacio vacío a partir de la energía actoral.

Para A.B Lugo., “La obra cuenta una historia universal de añoranza, de nostalgia de lo que pasó en tu vida antes y el esfuerzo de reconciliar y rectificar los arrepentimientos del pasado en el presente, haciendo la pregunta, ‘¿Qué habría pasado si yo…?’”

A partir de ese concepto, los actores realizan un intenso trabajo físico para crear los diferentes ámbitos y tiempos por los que los personajes transitan. El elenco lo integran Fabián González -quien fue merecedor de un premio ATI- y el joven intérprete Miguel Flores. Ellos desarrollan una propuesta despojada y neurótica en la que los actores generan energía y teatralidad.

El vestuario está a cargo de José Luis Morales; supertítulos: Santiago Ortiz y Janet Archibald. Laura Petit está a cargo de la asistencia de dirección.  Prensa: Hernán Colmenares. El productor es Álex Vásquez Escaño, Teátrica

FUERZAFest es auspiciado por la Hispanic Federation, bajo la dirección y curaduría de Mario Colón, con la finalidad de crear espacios de diálogo y discusión sobre aspectos sociales, así como los prejuicios por ignorancia y homofobia que afectan a la comunidad LGTBQ en dos semanas de teatro, proyección de películas, exposiciones de arte y conversatorios.

La vieja herida
En español con supertítulos en inglés. 
Únicas funciones: jueves 11 y sábado 13 de mayo, 7:00pm (programa A)
Boletos: $20.
Julia de Burgos Performance Center and Arts, 1680 de la Avenida Lexington, entre las calles 105 y 106.

Información: www.fuerzafest.com / (917) 309-4752 / (718) 415-0489.